Con el paso de los años, son múltiples las plataformas en las que se puede escuchar música. El streaming se ha apoderado rápidamente de las preferencias, gracias a su inmediatez y sencillez. Sin embargo, tener los discos de tus artistas favorito en formato de vinilo, es algo difícil de superar. Este formato es una extensión más de la mirada artística de cada músico en su era, sus creaciones visuales se ven retratadas en las portadas y diseño, y el sonido de estos es uno difícil de ignorar.
Con motivo de los 28 años de Rock & Pop, recomendamos 28 discos que debes escuchar en vinilo. Desde favoritos de la radio, íconos del rock, pop, indie, disco, experimental y más. Repasamos algunos trabajos fundamentales de la música nacional e internacional, que vale la pena agregar a tu colección.
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28. Cecilia - 60 años artísticos
Cecilia es quizás la artista más singular de la Nueva Ola chilena. Increíblemente infravalorada, la cantante se separó de sus contemporáneos al entregar algunos de los temas más llamativos e inusuales del género. Negándose a tan solo doblar los éxitos estadounidenses, 'La Incomparable' entregó sus propios sencillos, que serían parte del histórico catálogo popular. '60 Años Artísticos' (2018) recopila algunos de sus cortes más destacados, que expresan la libertad y diversión de su música. Es una perfecta introducción a alguien cuya música es parte del colectivo, pero que no es suficientemente reconocida por su originalidad en la época.
Este vinilo cuenta con algunos de sus temas más reconocidos: 'Un Compromiso', 'Baño de Mar A Medianoche', 'Puré De Papas', 'Último Baile', entre otros. Además, incluye dos canciones inéditas, que corresponden a sus primeras grabaciones, 'Muchacha Triste y Solitaria' y 'Don't Be Money Honey', ambas grabadas en 1959.
27. Los Tres - MTV Unplugged
MTV Unplugged fue uno de los espacios musicales más icónicos de la década de los noventa. Múltiples bandas, consolidadas y emergentes, encontraron en este popular espacio una oportunidad para difundir su más reciente material, con versiones acústicas de sus canciones. El 14 de septiembre de 1995, Los Tres se convirtieron en la primera banda chilena en grabar un material unplugged para MTV. Además, fue el único grupo en realmente realizar un set "desenchufado", donde sólo utilizaron micrófonos análogos a cierta distancia de cada instrumento.
Es también un sentido homenaje al legendario Roberto Parra, que falleció tan solo meses antes.
El Unplugged de Los Tres llegó poco después de 'La espada & la pared' (1995). Por esto, se pueden escuchar versiones acústicas de temas clásicos como 'Déjate caer', 'Tírate', 'La Espada & La Pared', entre otras. También los homenajes a Parra con 'El arrepentido', 'La Vida que yo he pasado' y 'Quién es la que viene ahí'. Además, incluye un tema exclusivo de esta sesión, 'Traje Desastre'.
26. Grace Jones - Nightclubbing
Si de tener discos en vinilo se trata, cualquier material de Grace Jones es digno de adquisición. Comenzando con sus portadas, algunas de las mejores carátulas de la música. La singularidad física de Jones, entre ferocidad, ambigüedad y atracción, convierten estas piezas es verdaderas obras de arte. Para 'Nightclubbing' (1981), se unió a su eterno colaborador, Jean Paul Goude, en una de las imágenes más icónicas en la historia de la música.
Pero el contenido en si mismo es una pieza fundamental. La visión artística de Grace Jones se ve reflejada a través de las nueve canciones originales que lo componen. Su post-disco y música dance deconstruida, es uno de los más llamativos de la época. Canciones como 'Pull Up to the Bumper', 'Nightclubbing', 'Libertango', 'Demolition Man', hacen que sea imposible encerrarla en solo un género. A casi 40 años de su lanzamiento, es difícil encontrar una pieza que refleje tan bien la singularidad de una cantante tan única como Grace Jones.
25. Aretha Franklin - Lady Soul
Cuando Aretha Franklin falleció en 2018, una de las mejores voces de la historia se apagó. Sin embargo, su voz puede seguir escuchándose en cada vocalista que se ha inspirado en su música y se ha conmovido con sus interpretaciones. ‘Lady Soul’ es un fiel testamento del poder que salía de Aretha cada vez que bendecía con una de sus canciones. Sin embargo, no es solo su canto el que destaca en este disco, los arreglos de cada tema logran hacerle justicia, en una perfecta condensación de blues, jazz y góspel.
‘Lady Soul’ contiene alguna de sus canciones esenciales, ‘Chain of Fool’, ‘(You Make Me Feel Like) A Natural Woman’, ‘Money Won’t Change You’, ‘Since You Been Gone’, entre otras. Si alguien alguna vez dudas de la gran Aretha Franklin, escuchar este álbum a su máximo volumen obligará a una ovación de pie ante su inigualable talento.
24. Blondie - Parallel Lines
Cuando una banda de rock comienza a acercarse al pop, son mirados con malos ojos por los más puritanos del género. Sin embargo, con 'Parrallel Lines' (1978) el tercer disco de Blondie, es imposible resistirse a la sutil transición que logró la banda de Debbie Harry. Siendo el álbum que los llevó al estrellato, este disco contiene los sonidos que popularizaron la tendencia del New Wave en los 80. Logra además presentar los complejidades y los matices de una vocalista como Harry, que abrió puertas a múltiples mujeres que eran capaces de liderar bandas de rock. Es una perfecta combinación de los elementos más digeribles de la banda, pero manteniendo el espíritu rebelde y provocador que los convirtió en un ícono para comenzar.
'Parrallel Lines' contiene algunos de los temas mas reconocidos de Blondie: 'Heart Of Glass', 'One Way or Another', 'Sunday Girl' y 'Picture This'. Pero su material también tiene gemas escondidas más allá de sus sencillos. 'Will Anything Happen?', 'Just Go Away', 'Pretty Baby' y más, hacen de este uno de los discos fundamentales para tener en una colección de vinilo.
23. Los Jaivas - La Ventana
En 1973, Los Jaivas lanzaron el segundo de su trilogía de discos homónimos. Sin embargo, con su popularidad, comenzaron a tomar el nombre que reflejaban sus portadas. 'El volantín' (1971), 'La Ventana' (1973) y 'El Indio' (1975). Cualquiera de estos discos sería digno de tener en vinilo, sin embargo su segundo contiene alguno de sus temas más icónicos que los convirtieron en una de las bandas más importante de la historia de la música chilena. Tras 47 años de su lanzamiento, este 2020 se reeditó en nueva calidad, que permite apreciar detalles antes no percibidos.
'La Ventana' contiene las que son quizás las canciones más reconocidas de su carrera. 'Mira niñita' y 'Todos juntos' son, no solo dos de las más importantes de Los Jaivas, sino que también del patrimonio cultural chileno. Así mismo, es un retrato de la mixtura musical propia de la década de los 70. Elementos de rock, folclore, psicodelia, cueca y hasta música instrumental, son parte de esta impecable colección.
22. Depeche Mode - Violator
No siempre ocurre que una banda alcanza su mayor éxito a 10 años del comienzo de su carrera. Pero con 'Violator', su séptimo disco, Depeche Mode alcanzó la fama mundial y se convirtió en uno de los grupos que dictaría la paleta sonora de la década, inspirando a otros con su intrigante y aventurero sonido. La combinación de elementos synth, goth y alternativos, marcaron el álbum y la escena posterior, convirtiéndose en uno de sus registros más influyentes. Quizás con su sonido más pop hasta entonces (con un irónico título), la banda de Martin Gore logró finalmente romper las barreras geográficas y triunfar más allá de su propio continente.
Gran parte del éxito de 'Violator', se debe a su sencillo líder: 'Personal Jesus'. La canción conquistó por la atractiva voz de Dave Gahan, un oscuro y atmosférico instrumental y una enigmática letra que aun genera discusión. Pero no es solo esta canción que convierten a este en su disco fundamental; 'Enjoy The Silence', 'Policy of Truth', 'World in My Eyes' son parte de los temas más destacados de su discografía.
21. Stevie Wonder - Songs in the Key of Life
Es difícil reducir a una leyenda como Stevie Wonder a un solo material de estudio, pero 'Songs in the Key of Life' (1976) es considerado como la culminación del periodo más clásico del artista. Y es que la década de los 70 es la época de gloria del músico, con éxito tras éxito y obra maestra tras obra maestra.
Este álbum ganador de cuatro premios Grammy (entre ellos Mejor Disco del año) contiene algunas de sus composiciones fundamentales y más reconocibles. 'I Wish', 'Sir Duke', 'Isn't She Lovely', 'Another Star' y 'As'. Así mismo, tienes que saber que Wonder produjo, arregló, escribió y compuso todo en esta placa (solo tres canciones enumeran a co-escritores).
Si bien Stevie Wonder puede ser celebrado con múltiples discos, este vinilo es una pieza fundamental no solo de su carrera, sino que de la historia de la música.
20. Violeta Parra - Últimas Composiciones
A través de la historia de la música chilena, quizás no se encuentre un ícono más importante que Violeta Parra. La cantautora no se conformó con solo entregar sus composiciones, sino que se encargó de recuperar el folclore fundamental de Chile y su pueblo. 'Últimas Composiciones' (1966), su último disco editado en vida, recopila algunas de sus canciones fundamentales, que expresan su compleja mirada sobre la vida y el paso del tiempo. No por nada, Rolling Stone lo nombró el disco chileno más importante de la historia, celebrando su escritura, interpretación e impacto.
El material contiene clásicos que son parte del legado cultural chileno, como 'Gracias a la Vida', 'Run-Run se fue Pa'l Norte' y 'Volver a los Diecisiete'. Pero el resto de las canciones también logra expresas la culminación de su madurez musical, reflejada en composiciones como 'La cueca de los poetas', 'Rin del angelito', 'Una copla me ha cantado' y más. Es quizás la pieza más importante de la historia del folclore chileno y latinoamericano.
19. Björk - Debut
Es difícil escoger sólo uno de los discos de Björk para escuchar en vinilo. Siempre evolucionando, constantemente reinventándose y adelantándose a las tendencias, su discografía completa es digna de consideración. Pero 'Debut' es la perfecta pieza de entrada para una de las artistas más importantes dentro de la escena alternativa. Pocas veces se ve un trabajo inicial tan libre, tan deseoso de explorar y sin miedo de romper reglas como esta primera pieza de la artistas islandesa.
Tras su trabajo en Sugarcubes, Björk se arrojó hacía la industria con una placa que envuelve las características de una mujer en constante evolución. Las canciones reflejan la exploración, aventura, entusiasmo, curiosidad y la diversión con la que la cantante se entregó en este debut. 'Big Time Sensuality', 'Venus as a Boy', 'Violently Happy', son sencillos fundamentales para entender el camino recorrido de la artista. Así mismo, permiten entender cómo se convirtió en una de las más singulares e influyentes de su generación.
18. Los Prisioneros - Estadio Nacional
En enero de 1992, Los Prisioneros dieron su concierto final en Valparaíso. Tras una seguidilla de conflictos internos por la dirección del grupo, se tomó la decisión de pausar uno de los proyectos más exitosos del rock chileno. Pero tras casi una década de su distanciamiento, el grupo se reunió para dos conciertos en el Estadio Nacional, el 30 de noviembre y el 1 de diciembre del 2001. Son dos discos correspondientes a las noches de concierto, donde se recopilan algunos de sus mayores éxitos, así como también temas más desconocidos, pero de gran calidad. Más de 140 mil personas acudieron a uno de los conciertos más importantes de Chile, que pueden ser celebrados en estas grabaciones.
Tanto el primero como el segundo de estos discos, contiene importantes canciones de la historia de Los Prisioneros. 'La Voz de los '80', 'No necesitamos banderas', '¿Quién mató a Marilyn?', '¿Por qué no se van?', 'Muevan las industrias', 'Tren al sur', 'El baile de los que sobran', 'La cultura de la basura'. Estas son solo algunas de las canciones que componen esta verdadera celebración a una de las bandas más importantes del rock nacional.
17. Soda Stereo - Canción Animal
Al discutir respecto a las bandas más importantes del rock sudamericano, es imposible omitir la importancia de Soda Stereo. La música de Gustavo Cerati, Zeta Bosio y Charly Alberti es difícil de resistirse e ignorar cuando ha sido una de las más influyentes del continente. Dentro de su discografía, 'Canción Animal' (1990) se destaca como la gran obra maestra dentro de una impecable discografía. No solo contiene algunas de sus canciones más reconocidas, sino que también su material más pulido, complejo e instintivo, tal como sugiere su título. Además, presenta su sonido más duro, con fuertes riffs y solos de guitarra, que lo convierten en uno de los discos fundamentales de escuchar en vinilo.
A través de sus 10 canciones, se puede reflejar la calidad y maduración musical de la banda: '(En) El Séptimo Día', 'Un millón de años luz', 'De música ligera', 'Té para 3', 'Sueles dejarme solo', 'Cae el sol', entre múltiples emblemas. Lleno de temas que se convirtieron en himnos generacionales, 'Canción Animal' es uno de los álbumes de rock más importantes del rock en español.
16. Nirvana - Nevermind
Mucha de la historia de Nirvana suele ser opacada por el abrupto y trágico final de la banda, tras el suicidio de Kurt Cobain. Sin embargo, un repaso por su discografía es suficiente para celebrar su corto pero influyente trabajo, pieza fundamental del sonido de los noventa. Dentro de estos, 'Nevermind' (1991) se destaca como el disco insignia de su carrera, como expresión emblema de su sonido y espíritu. Es el perfecto contraste al sonido más puro y duro de 'Bleach' (1989).
El segundo álbum del grupo presentó un sonido más pulido y limpio, caracterizado por elementos pop que eran fortalecidos por los riffs disonantes de las guitarras. Un himno del grunge, pero que era diversificado por coros pop, baladas, punk y rock. Además, la icónica portada, lo transforma en uno de los discos esenciales para coleccionar en vinilo.
De aquí se desprenden los sencillos más reconocibles de la banda, el legendario himno 'Smells Like Teen Spirit', quizás la canción más reconocida de Nirvana; 'Come As You Are', 'Lithium' y 'In Bloom'. Pero el resto de las canciones son igual de destacables, 'Polly', 'On a Plain' 'Something in the Way' son canciones insignias de la banda.
Ante cualquier cuestionamiento al verdadero legado de Nirvana, 'Nevermind' es la perfecta respuesta para ejemplificar cómo se convirtieron en una de los grupos más representativo del malestar adolescente y de las nuevas olas generacionales.
15. Oasis - Definitely Maybe
Corre el año 1994. Dos jóvenes con una ambición masiva e incomparable comenzaban a vivir el sueño musical. La premisa, muy simple: aunque sea por una noche, ser auténticas estrellas del rock ‘n’ roll. Liam y Noel Gallagher, los hermanos al centro de la legendaria banda Oasis, firmaban su llegada a las masas con 'Definitely Maybe' (1994). Una colección de innegable optimismo, carisma y trece composiciones que afirmaron el lugar que el Britpop comenzaba a tomar en la conciencia pública de la era. Quienes pasaron su juventud adoptando una identidad en base de los clásicos, lanzaron un debut que inspiraría a nuevas generaciones a verlos a ellos como los íconos con los que crecieron.
En su primer álbum, los Gallagher y compañía se vieron cara a cara con el nihilismo grunge de la era, sin ningún miedo de intentar sonar grandes, ruidosos y alegres. Joyas como 'Live Forever', 'Shakermaker', 'Rock ‘n’ Roll Star', 'Supersonic' y 'Slide Away' rinden tributo a décadas de tradición británica en las guitarras, prometiendo no abandonar más las radios del mundo. Tras crecer admirando a las grandes banda de rock de Inglaterra, su debut prometía su propia visión de qué significaba el rock 'n' roll para una nueva generación. En 'Definitely Maybe', Oasis sabían que sólo necesitaban ser ellos mismos, y no ser nadie más.
14. The Rolling Stones - Forty Licks
30 álbumes de estudio, 33 grabaciones en vivo y 27 compilaciones. Sin duda, la discografía de The Rolling Stones es una de las más extensas y más difíciles de repasar. Sin embargo, la compilación 'Forty Licks' (2002) es la carta perfecta para comprender las casi 6 décadas de carrera del grupo. Esta colección es la primera oficial en tener su era de los 1960 y el post 1970, cuando comienzan a adueñarse de su propio material. Una recopilación de cuarenta años de trayectoria, que incorpora cuarenta canciones de la banda, incluyendo 4 originales para este disco. Es una verdadera celebración a su trayectoria, un homenaje a una de las bandas más importantes de la historia del rock, que han superado el paso del tiempo y perdurado en un viaje del que muchos se bajaron.
Son dos discos los que homenajean la carrera de The Rolling Stones, con sus sencillos más importantes como 'Gimme Shelter', '(I Can't Get No) Satisfaction', 'Wild Horses', 'Tumbling Dice', 'Happy', 'You Can't Always Get What You Want', entre otras. Es así, una condensación ideal de una de las carreras más extensas del rock, con los sencillos fundamentales de su influyente carrera.
13. Marvin Gaye - What's Going On?
La voz de Marvin Gaye es sin duda, una de las más reconocibles e influyentes de la historia de la música. Sin embargo, el artista estaba lejos de tan solo ser un vocalista. 'What's Going On' (1971), su onceavo álbum de estudio, es el primero de su carrera en acreditarlo como el productor principal. Este álbum conceptual presenta el trabajo más complejo y detallado de su carrera, donde cada canción se conecta con la siguiente, formando un atrapante relato. Y es que este disco utiliza temáticas como los efectos post traumáticos, la pobreza y la injusticias, para interpretar a un veterano de la guerra de Vietnam. Así, utilizó su poderosa voz para darle un espacio a los miles que buscaban la representación de las injusticias sociales y de los traumas que la guerra causa en los sectores más empobrecidos.
Cada una de las canciones es digna de su propia ovación, con el sencillo homónimo siendo una de sus canciones más reconocidas. Otras destacadas incluyen títulos como 'What's Happening Brother', 'Save The Children', 'Mercy Mercy Me', 'Inner City Blues (Make Me Wanna Holler)', entre otras. Es así, uno de los testamentos más importantes de la música, reconocido por la revista Rolling Stone en la primera posición del ranking de los 500 Mejores Discos de Todos los Tiempos.
12. Radiohead - OK Computer
Con su segundo disco, 'The Bends' (1995), Radiohead se posicionó como una de las bandas contemporáneas más importantes de la nueva ola alternativa. Sin embargo, coronarse como los titanes de la escena no les sentó bien al grupo liderado por Thom Yorke. Las ambiciones de la banda en torno a las multiplicidad de direcciones que podía tomar su música, no se podía encasillar en solo un género. En lugar de repetir la fórmula, decidieron tomar un gran desafío. El resultado fue 'OK Computer' (1997), una paranoica y sofocante placa donde los cinco músicos se enfrentan a un mundo asolado por el consumismo descarado, la inestabilidad política y una sociedad que, pese a la conectividad de la tecnología, parece más apartada y solitaria que antes.
Adelantando por el épico número progresivo de “Paranoid Android”, el disco también cuenta con tempestuosos clásicos como 'Karma Police', 'No Surprises', 'Lucky', y favoritos de la fanaticada como 'Let Down' y 'Exit Music (For a Film)'. La clave del oscuro magnetismo de 'OK Computer' radica en su proyección de un mundo corrompido por la globalización, aspecto que se ha reconocido como profético y adelantado a su contexto original. Y pese a complicar a su discográfica por esto, dicho material se convirtió en un éxito global instantáneo, y un clásico eterno de la música, donde su legado e inspiración es palpable en cada agrupación alternativa que busca abrir sus horizontes musicales.
11. The Beach Boys - Pet Sounds
Quizás sin el suficiente reconocimiento por las más recientes generaciones, The Beach Boys continúa siendo una de las bandas más importantes de la historia del rock. Una de las pocas que sobrevivió a la invasión británica de la escena, y que mantuvo, gracias a sus melodías y conexión musical, su relevancia y poderío en la industria. 'Pet Sounds' es quizás el testamento más grande de los elementos progresivos y complejos de la banda de Brian Wilson. Un refinado trabajo, antecedente de los elementos psicodélicos y experimentales en la música pop, así como también del uso de orquestas en estos. Mantiene algunas de sus características más convencionales, pero con elaboradas capas de melodías y mezcla de géneros como el pop, jazz, música clásica y avant-garde.
El álbum contiene algunos de sus sencillos más icónicos y emblemas de la música pop progresiva, 'God Only Knows', 'Caroline, No', 'Sloop John B' y 'Wouldn't It Be Nice'. Además las complejas producciones y melodías están presentes en canciones como 'You Still Believe in Me', 'I'm Waiting for the Day', 'I Know There's an Answer', entre otras. 'Pet Sounds' es una completa validación de la música popular como un testimonio cultural de relevancia, logrando el éxito con una complejidad pocas veces vistas en la música mainstream.
10. Madonna - The Inmaculate Collection
Si alguna vez alguien cuestiona el nombre que Madonna se ganó en la industria, ‘The Inmaculate Collection’ (1990) es la respuesta ideal para justificarla como una de las historias más importantes en la música pop. Tras dominar la década de los ochenta con éxito tras éxito, sería fácil desestimarla como solo un producto pop. Sin embargo, esta colección de sencillos recopila algunos de los cortes más importantes en la historia del género. Aún sin el contenido visual que es su fuerte, cada tema elegido es un testimonio de su versatilidad, exploración y reinvención.
Este compilado cronológico permite disfrutar cada era de su primera década, a la vez que se percibe la maduración artística y personal de Madonna. Aquella aventurera y rebelde de ‘Borderline’ y ‘Lucky Star’; la provocadora de ‘Like a Virgin’, la romántica de ‘True Blue’, donde se encuentran algunas de sus primeras obras maestras, como ‘Papa Don’t Preach’. Finalmente, el gran magnum opus, ‘Like a Prayer’, con su sencillo homónimo, que es fácil una de las mejores canciones pop de la historia. A pesar de que cada uno de sus discos es digno de una colección de vinilo, este recopilación celebra la época dorada de la Reina del Pop.
9. Led Zeppelin - Led Zeppelin IV
Sin un título oficial, el cuarto álbum de Led Zeppelin es quizás el testamento más grande de su música y la influencia que marcó en la escena del rock. Y es que si bien son uno de los más importantes precedentes del hard rock, el impacto de la banda de Jimmy Page llega más allá de los límites del género. 'IV' (1971) presenta algunos de los arreglos más progresivos del grupo, siempre bajo el paraguas del rock pesado, con complejas composiciones y distribuciones melódicas, que incluía toques de folk, blues, rock 'n' roll, entre otros. Con algunas de sus canciones más reconocidas, muestra sus puntos más altos de escritura, creando himnos que son parte del legado cultural del género.
Este disco contiene la que es la canción más popular de la banda y de la historia del hard rock: 'Stairway to Heaven'. Este tema insignia no solo masificó la popularidad del grupo, sino que consolidó su capacidad de hacer música sustancial, al mismo tiempo que fuera digerible por una amplia audiencia. Otros temas icónicos que son parte incluye a 'Black Dog', 'Rock and Roll', 'Four Sticks', 'Misty Mountain Hop', entre otras.
8. Queen – A Night at the Opera
Es difícil encontrar una banda que genere una aceptación tan universal como Queen. La voz de Freddie Mercury, la guitarra de Brian May, y las composiciones de Roger Taylor y John Deacon, son algo difícil de resistir. 'A Night At The Opera' (1975) es un osado movimiento para un grupo de la popularidad de Queen, un progresivo álbum de rock que no se limita a aquello que le aseguraba el éxito, sino que exploraba toda la paleta sonora a la que el grupo podía alcanzar. Power pop, hard rock, avant-garde, baladas, son solo algunos de los géneros que coliden en esta colección. Es ambas partes autorreferencial y autoconsciente, con un dramatismo propio de la agrupación, pero con un humor palpable en sus composiciones.
De aquí se desprende uno de sus sencillos más particulares y reconocidos: 'Bohemian Rhapsody'. Un set de seis minutos con múltiples secciones, entre introducción, versos, coros, puentes, reprises y pasajes de opera. En papel, es algo difícil de imaginar, pero su resultado es una pieza fundamental dentro de la música progresiva. Otros destacados cortes incluyen títulos como 'Love of My Life', 'The Prophet's Song', 'You're My Best Friend', 'Seaside Rendezvous', y más.
7. Prince – Purple Rain
En la historia de la música, es difícil encontrar a alguien remotamente parecido a Prince. Un rebelde en todos los sentidos. Prince va más allá de todas las convenciones musicales, de género y sexualidad. Es quizás 'Purple Rain' (1984) su material más emblemático, después de todo, musicalizó una película sobre una versión ficticia de él mismo. Notable por un sonido mucho más denso que sus álbumes previos, el artista utilizó un sin fin de capas musicales para hacer una verdadera obra musical digna de su persona. Guitarras, sintetizadores, teclados, y más, suenan al máximo para su magnum opus. No existen sutilezas aquí, más es más, la grandiosidad del artista solo puede ser reflejada por el enorme solido que sale de este disco.
'Purple Rain' es un perfecto equilibrio entre las composiciones pop tradicionales, y los esfuerzos más experimentales de su carrera. Icónicas canciones como 'When Doves Cry', 'Let's Go Crazy' y 'Purple Rain' convierte a esta pieza en la fundamental de su discografía. Un artista tan singular y único como Prince, solo puede ser descrito a partir de su propia música, y la magnificencia de este disco, es la mejor forma de llegar a comprenderlo.
6. Fleetwood Mac - Rumours
No hay quizás un tema del que se haya escrito más en la música que del amor y el desamor. Y no hay un álbum que logre abordarlo con tanta sustancia como 'Rumours' (1977) de Fleetwood Mac. La vida personal de cada uno de los miembros los llevó a realizar el trabajo más emocional e impactante de su discografía. Marcado por la serie de conflictos internos de la banda, 'Rumours' se concibió como la acumulación de decepciones, rabia, dolor, tristeza y un constante viaje entre la esperanza y desesperanza.
Pero no solo se vio reflejado en su contenido lírico, la fuerza en la producción musical es digna de una representación sonora del corazón roto. Las armonías son algunas de las más destacadas que se puede encontrar en un lanzamiento comercial, consolidando al grupo como todo un titán de la composición y una de las bandas más importantes en la historia del folk rock.
Las canciones son producto de sesiones de catarsis, donde cada integrante soltó cada una de sus frustraciones. Se pueden apreciar en temas como 'Dreams', 'Go Your Own Way', 'Songbird', 'The Chain', 'I Don't Want to Know', 'Gold Dust Woman'. 'Rumours' se remite a las emociones más humanas, para un álbum que es de las obras más representativas de la complejidad de las relaciones y de los mismos sentimientos que son involucrados.
5. Bob Dylan – Blonde on Blonde
Cada artista logra destacarse en una o más áreas. En una constante lucha sobre cuál es más importante, si el contenido musical o el lírico. No hay quizás artista más apto para defender al segundo que Bob Dylan. Catalogarlo tan solo como un letrista, sería una minimización del impacto que sus composiciones tienen en la esfera cultural y social. Dentro de su larga carrera, 'Blonde on Blonde' (1966) es uno de sus más representativos para destacar la calidad de su prosa. La música es como una marcha andante, donde Dylan lidera con la exquisitez de sus palabras. Una combinación entre lo más cotidiano y banal de la vida, con las percepciones más complejas de su alrededor. Es así una pieza fundamental de la historia del folk, donde el músico no solo es primordial en la esfera musical, sino que se consolida como un importante poeta.
Son múltiples las facetas que pueden observarse en las canciones. Desde su sentido del humor, sus reflexiones y sus apreciaciones del día y día brillan en cada tonada. 'Just Like a Woman' y 'Vision of Johanna' son dos de sus más importantes composiciones, que se suman a temas como 'Pledging My Time', 'Most Likely You'll Go You Way and I'll Go Mine', 'Temporary Like Achilles', entre otras. 'Blonde on Blonde' es una oportunidad de ver el mundo a través de la prosa de uno de los compositores más importantes de su generación.
4. Pink Floyd – The Dark Side of the Moon
La mera portada de 'The Dark Side of the Moon' (1973) justifica considerarla dentro de los discos necesarios en vinilo. Y es que es una de las fotografías más icónicas en la historia de la música, que se ha ganado su reputación gracias al complejo material que representa. El octavo álbum de Pink Floyd es uno de sus más populares, a pesar de presentar algunos de los temas más oscuros y densos de su discografía. El conflicto de la fama y sus efectos en la psiquis de los miembros, los llevó a explorar temáticas como la mortalidad, la codicia, su autopercepción y autodesprecio. A través de instrumentales de su característicos rock progresivo, la agrupación logró posicionarse como una de las más relevantes en describir los malestares sociales e individuales y sus efectos en las relaciones con un otro.
La música de este álbum es en si misma una representación de la complejidad humana, reflejando los inicios y el inminente perecimiento. 'Speak to Me' y 'Breathe' funcionan como representación de las ansiedades que amenazan con perturbar la vida. 'The Great Gig in the Sky' refleja su propia visión sobre la mortalidad y los temores y deseeos ante esta. La icónica 'Money' es una consiente crítica a la banalidad social, mientras que 'Us and Them' refleja el constante conflicto en torno al aislamiento. No hay quizás un álbum que logre reflejar tantas facetas de la vida humana como 'The Dark Side of the Moon'.
3. Michael Jackson - Thriller
El argumento de que la música pop no es sustancial para la cultura, es tan repetido como obsoleto. Sin embargo, Michael Jackson siempre ha logrado mantenerse fuera de esta discusión, pese a ser una de las figuras más emblemáticas del género. Si hay algún disco de esta lista que presente éxito tras éxito, ese es 'Thriller' (1982). El sexto álbum del artista no es solo el más fundamental de la música pop, sino que uno de los más importantes sin la limitación del género.
Sus oscuros temas y la paranoia latente de sus composiciones, son casi proféticas de la vida de Jackson, y es este álbum el que permite comprender de mejor forma los eventos alrededor de su vida. Es difícil no reconocer su mérito comercial, es después de todo uno de los discos más vendidos de la historia. Sin embargo, su verdadero atractivo es el poder presentar complejos temas, como los costos de la fama en su vida, en una manera comercial y atractiva para las audiencias.
Nueve canciones originales que bien podrían ser parte de una colección de grandes éxitos. Y es que sería difícil encontrar a alguien que no conociera las melodías de 'Wanna Be Startin' Somethin'', 'Beat It', 'Billie Jean', 'Human Nature', 'P.Y.T.', 'The Girls Is Mine', y por supuesto, 'Thriller', una de las canciones más legendarias de la música pop. Si algún álbum es testimonio del impacto del género dentro de la cultura, 'Thriller' es el perfecto candidato.
2. David Bowie – The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders of Mars
A su arribo en la primera mitad de los setentas, el mundo del glam rock prometía una infinidad de universos. Sus representantes podían permitirse soñar sin límites en su creatividad, invocando las premisas más ridículas y dotándolas de significado. David Bowie no quiso quedarse atrás, y así dio vida a su alter ego más recordado en 'The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars' (1972), el álbum que cuenta la historia de Ziggy, un marciano que desciende a la Tierra y se convierte en estrella del rock.
Este es el álbum emblema de uno de los artistas más enigmáticos de la historia de la música, con un poder de atracción imposible de ser replicado. Con este material, Bowie exploró tanto sus límites musicales como sexuales, convirtiéndose en un ícono en ambos. Dotado de la seriedad propia de una obra maestra, pero con el humor propio del género, le recordaba a las estrellas de rock no tomarse demasiado en serio. La grandiosidad de su estética es respaldada por una música más orientada a las guitarras y al proto-punk. Así, se posicionó como un importante precedente a cómo se desarrollaría el género en años venideros.
Contada en múltiples actos a lo largo de sus once canciones, la historia de Ziggy se cristaliza en recordadas composiciones como “Five Years”, “Starman”, “Suffragette City” y el glorioso final de “Rock ‘n’ Roll Suicide”, todos verdaderos himnos de una de las escenas musicales más extremas que conoció la cultura popular. En el relato de Ziggy Stardust, Bowie logró capturar el exceso de la vida del rockstar y catapultarlo en dimensiones épicas. Dentro de su amplia variedad de historias, la de Ziggy continúa siendo una de las de mayor impacto, tanto en su carrera, como en el patrimonio cultural de la música.
1. The Beatles - Revolver
Durante los sesenta, The Beatles comenzó a sementar la que sería la carrera más importante de la historia de la música popular. Con su seguidilla de lanzamientos en la primera mitad de la década, se transformaron en un fenómeno global que pocas veces ha podido ser igualado con tal intensidad. Sin embargo, hay un cambio importante con el lanzamiento de 'Revolver' (1966). Ya desde 'Rubber Soul' (1965) se venía adelantando la complejidad que alcanzaría la música del cuarteto de Liverpool. Pero es en su séptimo álbum donde comienza el psicodélico y trascendente viaje. Se coronaron así, como una influyente banda en el rock progresivo y los límites que puede alcanzar el género.
'Revolver' es la pieza fundamental para comprender la faceta innovativa y revolucionaria que The Beatles exploraría en gran parte de la década de los setenta. Su paleta sonora presenta una exquisita variedad, retomando elementos clásicos del rock y el pop, pero que los fusiona con las complejidades del progresivo y el avant-garde, para un importante antecedente de la músico psicodélica. Además, temas trascendentales, como la percepción de la mortalidad, el distanciamiento de los niveles materiales, la exploración del inconsciente, hacen de este disco un profundo y primordial experimento.
Sin la presión de intentar reproducir las canciones en vivo, se liberaron de las convenciones musicales y añadieron cada elemento que pudiera distorsionar el sonido. Canciones fundamentales de su discografía se encuentra en este disco. 'Taxman', 'I'm Only Sleeping', 'Love You To', 'Yellow Submarine', 'Good Day Sunshine', 'I Want To Tell You', entre otras. A veces pasado por alto por la popularidad de 'Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band' (1967), 'Revolver' continúa siendo el punto inicial de la complejidad que alcanzó su música, y el momento donde The Beatles fue más libre para experimentar con los límites de sus capacidades.