Esta semana tuvimos el privilegio de conversar con una de las figuras más importantes del grunge: Jack Endino. El productor de "Bleach" de Nirvana y de toda la camada de principios de los 90s en Seattle conversó con Francisco Tapia Robles de su carrera y ahora, puedes acceder a la conversación completa y a nuestro especial aquí.
Rock & Pop: ¿No te incomoda cuando te llaman el Padrino del Grunge?
Jack Endino: Está bien, antes no me gustaba pero ahora está bien, he seguido adelante con mi vida, es divertido (risas)
R&P:Es bueno tenerte en nuestro país, no es primera vez que te involucras con una banda chilena para trabajar, en este caso The Ganjas. Pero cuéntame, ¿cómo y cuando los conociste?
JE: Fue en el 2011. Ellos me enviaron un email y me dijeron que eran una banda Chilena, esta es nuestra música, dinos que te parece. ¿Vendrías a grabarnos? Yo la escuche, me gusto y dije ¿por qué no?
Esta es la segunda vez que vengo a Chile, vine a grabar a The Ganjas y a otras bandas también.
Me dieron una lista de bandas y me pidieron elegir a 3. Yo dije quiero esta, esta y esta otra y veré que podemos hacer, y todas resultaron ser muy buenas bandas. Gente muy agradable para trabajar, y eso es muy importante para mí.
R&P: Se puede decir que el sonido de una ciudad y de una entera generación pasó por tus manos, pero cuéntanos como se ve la escena local actual en Seattle porque al comienzo, antes de la explosión grunge era algo absolutamente underground.
JE: Ah! Fue underground, eran unas 20 o 30 bandas que tocaban para sus propios amigos que al mismo tiempo también eran parte de esas 20 o 30 bandas (risas). Luego exploto y se hizo algo gigantesco. Como decimos allá, el circo se fue de la ciudad en el 94 y 95, y por un buen tiempo en los 90’s nadie en Seattle quiso agarrar una guitarra nuevamente. Pero luego de un tiempo la cosa se recupero y se volvió una escena musical normal una vez más. A fines de los 90’s ya estaba grabando a bandas como Zeke, The Makers, The Murder City Devils, Zen Guerrilla, Hot Hot Heat, y muchas otras bandas muy diversas. Y ahora por supuesto en la escena musical de Seattle hay una banda para cada estilo, hay muchos lugares donde tocar, todavia hay algunos sellos indies pero no tanto como solía haber porque tú sabes que el compartir archivos en internet ha hecho que la gente no compre tantos discos, pero las bandas los siguen grabando sin que eso les importe mucho, siguen organizando shows. Yo también tengo una banda llamada Endino’s Earthworms que toca de vez en cuando, para la cual por supuesto tengo que usar protectores de oídos (risas). Es muy importante para mí y mi trabajo, tengo que cuidar mi audición. En resumen es una escena muy viva la de Seattle ahora, pero ya no se basa en un solo estilo.
R&P: En un comienzo me imagino que era una vibra diferente la que se percibía, pero cuéntame ¿cómo la percibes tu ahora?
JE: Es como podría ser en cualquier otra ciudad pero en Seattle la gente apoya mucho la escena musical local. Pero como te digo, no hay solo un estilo ahora. Las bandas hacen todos los tipos de música posibles. Eso es bueno, la escena goza de una buena salud. Incluso las autoridades locales apoyan bastante a la escena porque se dieron cuenta de lo importante que ha sido Seattle para el mundo entero. Por eso no es un mal lugar para vivir y trabajar.
R&P: Al inicio de tu carrera te hiciste conocido no solo por grabar a un gran número de bandas, sino también porque a ti nunca te gusto el sonido sobre-producido y recargado. Y esa técnica que tú usaste se convirtió en el pilar fundamental del sonido grunge…
JE: En los 80’s había una buena cantidad de grabaciones sobre producidas que eran muy malas, pero también habían cosas buenas dependiendo que música te gusta. Pero te pongo el ejemplo de Def Leppard, sus baterías sonaban muy sintéticas, el reverb que usaban era una locura, millones de capas de sonido que casi ya no sonaban como una banda, tú no puedes identificar si ellos realmente están tocando o no porque lo que escuchas es un trabajo de estudio. En mi caso yo estaba más interesado en grabaciones de Led Zeppelin, AC-DC, o incluso The Beatles porque es un sonido honesto, puedes escuchar los instrumentos, al cantante. Suenan como humanos de verdad tocando instrumentos reales y eso es lo que yo siempre he tratado de hacer en mis grabaciones, capturar algo que sea real y honesto y que no sea artificial ni que venga de maquinas.
R&P: Y en ese momento Uds. eran todo lo opuesto a lo que hacia el glam rock de esos días. Estaba Poison, Motley Crue…
JE: Lo llamábamos “LA Hair Metal” a manera de burla. Glam Metal era otra forma de llamarlos, y ellos se hacían llamar bandas metal pero no tenían nada de metal, eran bandas de pop con pelo largo con discos sobre-producidos. Eso fue un movimiento muy exitoso en los 80’s, vendieron muchos discos y eran muy populares pero a algunos de nosotros no nos gustaba mucho. Preferíamos mirar a la música de los 70’s la cual tiene una producción mucho más simple, quizás una manera de componer también más simple y honesta. Y pensamos ¿por qué no hacer discos como esos? Pero por supuesto usando equipamiento más moderno.
R&P: Técnicamente hablando, que tan influyente eres al momento de desarrollar el sonido de una banda. Porque de cierta forma tu llegas a pulir lo que ellos tienen para ofrecer, su crudeza digamos…
JE: Si, hasta cierto punto tú tienes que sacar lo mejor de una banda en un estudio. Que toquen lo mejor que puedan, lo cual es algo sicológico. Y sacarles el mejor sonido lo cual es algo técnico. Son dos cosas importantes. A mí me gusta decir que del equipamiento que usas en el estudio técnicamente lo más importante de todo es la persona que está operando el estudio. Todo se trata de las decisiones que tomas, de cómo haces fluir las sesiones, como incentivas a los músicos, mantener la emoción del momento y siempre tratando de entregar una buena onda, ayudarlos a ganar confianza. Y como te digo lo más importante es la persona operando el estudio, y por supuesto tienes que tener buenas canciones, un buen vocalista y buenos musicos.
R&P: Y en el caso de Bleach de Nirvana ¿cómo fue esa experiencia?
JE: Esa fue una grabación que hicimos en 8 pistas con una grabadora que teníamos de cinta de media pulgada. Como equipos teníamos unos micrófonos, probablemente yo tenía unos SM58 o algo así. No era mucho pero si sabía como hacer una buena grabación usando este equipamiento. Y el resto fue tener a una buena banda y esa era Nirvana. Los ponías a tocar en una sala y sonaban bien. El trabajo del ingeniero no era echar todo al perder (risas), sino que era conseguir algo bueno porque esta banda era muy buena, no necesitabas hacer sobreproducir nada, ellos suenan bien tal como son. Era algo simple. Otros productores quizás no hubiesen podido hacer una buena grabación de ese álbum de Nirvana, en cambio yo si sabía exactamente qué cosas tenían que ser grabadas.
R&P: Tú también fuiste parte de una banda, una especie de banda seminal para la escena de Seattle llamada Skin Yard junto a otros musicos quienes más tarde siguieron sus carreras en otras bandas como Soundgarden por ejemplo…
JE: Con Skin Yard grabamos discos entre 1985 hasta 1992. Hicimos 5 discos de estudio, giramos por Estados Unidos varias veces, por Europa. Nos fue bastante bien en ese tiempo. Nuestro primer baterista Matt Cameron por supuesto hoy es parte de Soundgarden y Pearl Jam; nuestro segundo baterista Jason Finn ahora toca en The Presidents of the United States; y el ultimo baterista que tuvimos Barrett Martin estuvo en Screaming Trees, en Mad Season, bueno el ha estado en muchas bandas y actualmente tiene un grupo llamado The Walking Papers junto a Duff McKagan de Guns ‘n’ Roses, son muy buenos, yo hice un trabajo con ellos. Otro de nuestros bateristas Scott McCollum termino en una banda llamada Guntruck quienes grabaron dos discos que yo produje y ahora está en una banda conmigo llamada Rocket Surgery con la cual tocamos de vez en cuando. Yo seguí mi carrera como productor de discos, el vocalista de Skin Yard, Ben paso a ser vocalista de Guntruck, pero lamentablemente ya falleció. El bajista de Skin Yard, Daniel House formo C/Z Records, y ahora la verdad no se que estará haciendo. Debe tener algún buen trabajo normal por ahí (risas).
R&P: Cuéntame ahora cómo era ese sentimiento en la ciudad de Seattle cuando el movimiento grunge era aun algo desconocido para todo el mundo…
JE: Era fabuloso al comienzo porque sabíamos que teníamos algo muy fuerte sucediendo en Seattle, podíamos sentirlo. Hay algo cool aquí, algo especial, hay algo pasando aquí no sabemos muy bien qué pero es todo muy cool. Hasta que el mundo empezó a ponerle atención y las cosas se volvieron distintas, porque la ambición se comenzó a apoderar de la escena y la gente de repente empezó a darse cuenta que talvez la música podría convertirse en una carrera y que podrían hacer dinero. Los representantes de sellos grandes comenzaron a dejarse caer por la escena ofreciendo dinero y contratos de grabación, pagando almuerzos y cenas a las bandas. La verdad es que todo se puso muy extraño por varios años.
Yo me aburrí de todo eso y dije: “Ok, yo me largo a grabar bandas a otros países”. Y así empecé a trabajar en el extranjero en 1992 o 1993. Hice discos en Brasil, Mexico, Dinamarca, Portugal… son como 13 países y no los recuerdo todos, pero viaje por todo el mundo. Trabaje con la banda Titãs de Brasil, hice 5 discos con ellos; en México trabaje con Guillotina grabando 3 o 4 discos, etc.
Y como la escena en Seattle a comienzos de los 90 creció tanto hasta explotar y luego Kurt se mato nos quedaron muy pocas bandas cmo Soundgarden, Pearl Jam, Screaming Trees, The Presidents of the United States, además de otras bandas que también lograron seguir por toda la década, pero en si la escena de Seattle estaba casi acabada en esos días, y como yo estaba trabajando en otros países ya no me importo.
A fines de los 90 la cosa recobro fuerza y se convirtió en algo mucho más saludable con buenas bandas que me hizo volver a trabajar a la ciudad. Pero los 90’s fueron un periodo extraño para mí porque tuve que irme de Seattle para poder seguir disfrutando lo que estaba haciendo. Ahora hay una muy buena escena en Seattle y la mayoría de mi trabajo continua desarrollándose allá, pero yo igual sigo viajando de vez en cuando, y es así como ahora estoy aquí…
R&P: ¿Qué crees tú qué fue lo que perdieron las bandas de Seattle una vez que el grunge pasó a ser un movimiento mainstream?
JE: Inocencia. Perdieron inocencia. Perdieron el sentido de hacer las cosas por diversión y comenzaron a hacerlo solo por el dinero. Eso arruino a las personas y a la música en algunos casos. Ahora también hubo bandas inteligentes como Soundgarden que supieron como balancear todo eso de trabajar en el sistema de los sellos y aun así continuar haciendo buena música. Eso no es algo fácil de hacer, y Soundgarden pudo seguir teniendo éxito haciendo la música que quieren hacer y no pensar en querer sacar solo singles exitosos. Ellos saben y hacen lo que quieren y felizmente hay gente que quiere escucharlos. No todo el mundo tiene esa suerte, o es tan inteligente.
R&P: Jack, ahora por favor háblame de tus discos favoritos en general, no solo los que te toco producir sino también de aquellos que vienen de Seattle.
JE: En general, bueno Bleach es obviamente muy importante en mi carrera porque es el disco que probablemente costo menos dinero hacerlo y porque millones de personas lo han escuchado, y me siento feliz que suene tan bien (risas) para ser un disco que nos tomo como 3 días en hacer.
El primer disco de Soundgarden “Screaming Life” fue casi el primer disco que yo grabe y suena bastante bien considerando lo limitado en equipamiento que era en ese momento y la poca experiencia que yo tenía. El disco debut solista de Mark Lannegan de los Screaming Trees, “The Winding Sheet”, es aun uno de mis discos favoritos y en el cual yo también toque el bajo.
Luego en los 90’s trabaje con Therapy?, Bruce Dickinson, mas bandas de Seattle, con Titãs en Brasil ganamos discos de oro lo cual es algo muy especial para mí. Y en relación con esas bandas de Seattle, yo creo que el mejor disco de Soundgarden es Superunknown, con el cual por supuesto yo no tuve nada que ver porque eso vino mucho después, pero lo considero uno de los mejores discos salidos de Seattle. Tambien por supuesto “Nevermind”, bueno tú no puedes discutir nada con ese álbum, lo mismo con “In Utero”, dos discos grandiosos.
También me considero un fan de Alice In Chains, aprecio mucho lo que esos tipos hicieron. Nunca trabaje con ellos y ni siquiera los conozco, pero me gustan sus composiciones en especial el trabajo que hacen en las armonías vocales. Yo los llamo los Beach Boys del grunge, seguro que ellos me odian por eso, pero no conozco a nadie más que trabaje tanto las grabaciones vocales en la escena grunge de Seattle como lo han hecho. Eso es interesante porque nadie ha reconocido todo el trabajo que los Alice In Chains han hecho para lograr esas armonías. El grunge no es lo que todo el mundo pueda pensar.
R&P: Creo que lo que tú has hecho con Bleach por ejemplo es el mejor testimonio de cómo con la simpleza puede crear algo hermoso…
JE: Claro, si tienes un buen vocalista, una buena canción y una buena banda. Pero no nos olvidemos de Mudhoney, el disco “Superfuzz Bigmuff” fue un disco muy importante, no muy exitoso comercialmente, no ha vendido millones pero muchas personas lo han escuchado y de nuevo, fue capturar a una banda en vivo en un estudio haciendo lo que ellos hacen muy bien, y funciono. Yo no me interpuse en el proceso, hice lo que tenía que hacer como ingeniero, capture lo que estaba pasando y mantuve fuera de su camino.
R&P: Ahora quisiera que le enviaras un mensaje a todos esos músicos jóvenes que están comenzando a recorrer este largo y, a veces, tortuoso camino de una banda de rock, ya que tu has estado en ambas veredas, digamos, como músico y productor.
JE: Si tu baterista es malo, échalo de la banda y consigue uno bueno. Si no tienes un buen baterista no hay esperanzas, estas acabado (risas)
R&P: Así de directo…
JE: También asegúrate que alguien en la banda sepa cantar. Sea quien sea, alguien debe ser capaz de cantar. Trata de que tus letras no sean estúpidas, o si al menos son regulares y no muy concretas, eso es suficiente para hacer rock & roll, siempre y cuando tengas un buen cantante y buenas melodías. No te olvides de melodías contagiosas que sean fáciles de memorizar, tienes que tenerlas. Debes tener una buena razón para que las personas quieran escuchar tus canciones una y otra vez. Así que NO sean aburridos.